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Recensioni cinematografiche

Author: Alessandra Maglie (Page 1 of 2)

#GenderTroubles: Broadchurch (terza stagione, 2017): non vittime, ma protagoniste.

“If you’ve been affected by issues raised in this episode of Broadchurch, you can visit itv.com/advice for support and information”.

La confortante e sollecita voce fuori campo recita queste parole alla fine di ogni episodio della terza stagione della serie di argomento poliziesco Broadchurch, andata in onda sulla TV britannica la scorsa primavera sul canale ITV. Cosa interessante: la voce fuori campo di cui sopra è, alternativamente, femminile o maschile, perché non si abbia l’impressione che le problematiche (di genere) sollevate nella serie chiamino in causa le donne soltanto. Colgo lo spunto fornito da Benedetta Magro nel suo articolo per analizzare il modo in cui Broadchurch affronta i temi della violenza sessuale e della cosiddetta “cultura dello stupro”, con un approfondimento finale sulla posizione dei personaggi maschili in una cornice narrativa così costruita.

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#GenderTroubles: The Kids Are Alright (2010). La normalizzazione del queer.

Nic (Annette Bening) e Jules (Julianne Moore) in una scena di The Kids Are Alright, per la regia di Lisa Cholodenko

– Look, I’m sorry, I feel like I’m carrying the load here.
– Yeah, ‘cause that’s the way you like it, so you keep control.
– What are you talking about?
– Come on, you hated it when I worked. You wanted me at home, taking care of the kids – you wanted a wife!

A prima vista, un dialogo del genere sembrerebbe tratto da un litigio coniugale come se ne sentono tanti: i ritmi di una vita stressante, la noia, la frustrazione, al momento meno opportuno si manifestano in modo distruttivo nella vita di coppia, scatenando rancori e sensi di colpa. Cambierebbe qualcosa se vi dicessi che a pronunciare queste battute sul grande schermo sia stata una coppia lesbica?

The Kids Are Alright (2010, uscito in Italia con il titolo I ragazzi stanno bene), è uno spaccato di vita familiare realistico e al tempo stesso innovativo, che, con i toni leggeri di una commedia, affronta temi importanti con delicatezza e sensibilità. Jules e Nic sono sposate con due figli, dai nomi estrosi di Joni e Laser, concepiti tramite inseminazione artificiale. Quando Joni, la figlia maggiore, compie diciotto anni, il fratello la convince a contattare la banca del seme per conoscere il loro padre biologico. Così i due incontrano Paul, un ristoratore con la passione per le donne e il buon vino, che entrerà, nonostante le ritrosie delle genitrici, nel loro ménage famigliare… con conseguenze disastrose. Il film si è guadagnato due Golden Globe e quattro nomination agli Oscar, come miglior film, miglior sceneggiatura originale, migliore attrice protagonista per Annette Bening e miglior attore non protagonista per Mark Ruffalo.

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#GenderTroubles: A Taste Of Honey (1961). Il gusto amaro dell’emancipazione.

Titoli di testa di “A Taste Of Honey”, per la regia di Tony Richardson.

“This night has opened my eyes
and I will never sleep again,
you kicked and cried like a bullied child,
a grown man of twenty-five.
Oh, he said he’d cure your ills,
but he didn’t and he never will.
Oh, save your life,
because you’ve only got one.”
– The Smiths, “The Night Has Opened My Eyes” (1984)

Il modello informatico dell’ipertesto, in cui un insieme di documenti con informazioni multimediali sono collegati l’uno all’altro per mezzo di connessioni logiche e continui rimandi, si può applicare anche ai rapporti tra i testi della cultura in cui viviamo, che costituiscono una rete di unità culturali tra loro interconnesse, in cui nessun significato è autosufficiente, consentendo così all’utente-lettore di costruirsi di volta in volta un autonomo percorso di lettura. Ciò comporta che l’identificazione del significato sia un processo estremamente dinamico: la nostra competenza intertestuale consiste infatti nell’uso di concetti legati alla nostra generale esperienza o conoscenza del mondo, appresi nel tempo da altri testi.

Il risultato della costruzione di un personale percorso di lettura che si snoda nella miriade dei nostri prodotti culturali, è che molto spesso, navigando a bordo di un testo nel mare della cultura, si approda a lidi sconosciuti e piacevolmente inaspettati. Io, per esempio, se non fosse stato per quella canzone degli Smiths di cui in esergo, non avrei forse mai scoperto A Taste Of Honey, a cui il testo si ispira. E non è l’unico riferimento nella loro discografia, vista la fascinazione che Morrissey, frontman della band, ha sempre provato per questa storia, tanto da inserirne numerosi riferimenti nella grafica dei suoi album e nei testi delle sue canzoni.

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#GenderTroubles. “Vergine Giurata” (L. Bispuri, 2015): L’insostenibile leggerezza del genere.

Alba Rohrwacher nei panni di Hana/Mark nel film “Vergine Giurata”.

Rosi Braidotti, una delle maggiori teoriche italiane del femminismo della differenza, nella sua analisi interdisciplinare della soggettività contemporanea, ha elaborato la teoria del soggetto nomade. La filosofa, ponendo al centro del discorso il corpo sessuato, intende rappresentare una molteplicità di forme alternative di soggettività, che vadano al di là del binarismo di genere – la rigida scelta tra maschio e femmina – senza per questo ricadere in un nuovo essenzialismo che imbrigli la libertà creativa ed espressiva dei soggetti performati. Il soggetto nomade è tale in molti sensi, vive al confine tra molte dicotomie: quella tra cittadino e straniero, tra donna e uomo, tra idem e alter, e sfrutta questa a-normatività per mostrarne la carica positiva, facendone così uno strumento di arricchimento, non un motivo di inadeguatezza.

In altri termini, in questa ridefinizione della soggettività, femminile e non solo, si tratta di dare voce al desiderio dell’individuo di affermare e rappresentare varie forme di soggettività, tutte ugualmente valide. Un paradigma della soggettività nomade è il personaggio di Hana/Mark, protagonista del film Vergine Giurata di Laura Bispuri.

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#GenderTroubles. Moonlight (B. Jenkins, 2016): viaggio alla ricerca dell’intimità.

Little (interpretato da Alex Hibbert) in una scena di Moonlight, per la regia di Barry Jenkins.

Al momento di annunciare il vincitore per l’Oscar al miglior film, Warren Beatty, che ha il compito di leggere il contenuto della busta, dà un’occhiata al biglietto, guarda meglio nell’involucro rosso, poi torna a guardare il biglietto, dubbioso. Il pubblico ride, pensando ad un esagerato effetto di suspense. Beatty fa per annunciare il vincitore, poi esita, sorridendo con imbarazzo. Passa la busta a Faye Dunaway, di fianco a lui, la quale annuncia con decisione il nome del favorito: “La La Land!”. La sala esplode in un applauso fragoroso, parte il tema del film, gli attori e i produttori di uno dei film più premiati della stagione si alzano sorridenti, si abbracciano, esultano e attraversano la sala. Ma pochi momenti dopo, mentre uno dei produttori sta ancora tenendo il suo discorso, alcuni membri dello staff salgono sul palco: confusione e parlottare concitato, finché il produttore Jordan Horowitz prende coraggiosamente il microfono e annuncia: “Wait, there’s a mistake – Moonlight, you guys won Best Picture.” Stupore in sala. “This is not a joke!”, continua Horowitz serissimo, mostrando al pubblico il biglietto col titolo “Moonlight” scritto nero su bianco. Infatti non è uno scherzo: un film sulla crescita di un ragazzo queer di colore ha appena vinto il premio più ambito come miglior film dell’anno.

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#GenderTroubles: Mona Lisa Smile: il libro e l’aspirapolvere.

Una scena del film Mona Lisa Smile (Mike Newell, USA, 2003)

C’è un proverbio inglese che fa: “you can’t have your cake and eat it too”, e cioè, se due alternative confliggono, a una delle due bisogna per forza rinunciare. Insomma, l’equivalente del nostro “non si può tenere un piede in due scarpe”. Mona Lisa Smile (USA, 2003), un film spesso citato come esemplare per il modo in cui tratta temi “femministi”, finisce per tenere il piede in due scarpe. Insomma, pur proclamandosi in partenza audace e provocatorio, non sembra prendere parte davanti all’alternativa tra l’emancipazione femminile e la prospettiva, che segretamente nutrono tutte le inguaribili romantiche, di incontrare, prima o poi, il Principe Azzurro.

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#CineHot: Kimi no Na Wa – Your Name. Gli amori cosmici di Makoto Shinkai

Taki e Mitsuha in una delle immagini pubblicitarie di Your Name

Quando si parla di animazione giapponese per il grande schermo, non si può non fare il nome di Hayao Miyazaki, di gran lunga il più noto in Occidente, alla cui fantasia oggi dobbiamo dei classici dell’animazione che non hanno nulla da invidiare alla produzione disneyana. Eppure, dopo l’uscita del suo ultimo lavoro, Si alza il vento (Kaze tachinu, 2013), il co-fondatore dello Studio Ghibli ha annunciato il suo ritiro. Da allora, mentre periodicamente si diffondono notizie di un suo prossimo ritorno, una nuova generazione di registi e sceneggiatori si contende la palma di degno successore del maestro di Tokyo. Dopo il successo di Your Name (Kimi no Na Wa), uscito nell’estate del 2016, sembra proprio che quest’ambito riconoscimento spetti a Makoto Shinkai.

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#GenderTroubles: Revolutionary Road: il canone delle passioni.

Kate Winslet e Leonardo di Caprio in Revolutionary Road (regia di Sam Mendes, 2008)

Si fa presto a pensare che le passioni non siano altro che naturali moti dell’anima, e i sentimenti la pura espressione dei nostri atteggiamenti verso gli altri ed il mondo. E tuttavia, se la post-modernità ci ha insegnato qualcosa, è che il binomio natura/cultura s’insinua in ogni aspetto del nostro stare al mondo, tendendo spesso a favore della seconda. Con ciò non s’intende, naturalmente, che i sentimenti siano artefatti, piuttosto che è il nostro modo di esprimerli ad essere frutto del “brodo culturale” in cui galleggiamo. Questo grande ipertesto di segni che è la Cultura, da una parte, informa i modi del nostro stare al mondo, e dall’altro, in senso uguale e contrario, se ne nutre. Ed è per questo che è importante comprendere i modelli culturali che fanno da sfondo ai prodotti di finzione del nostro tempo, per comprendere quali sono i sistemi di valori (e, talvolta, gli stereotipi) che catalizzano le nostre relazioni con gli altri.

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#SerialKiller: I Medici — Almeno una gioia

Il cast della serie tv I Medici (regia di Sergio Mimica-Gezzan)

Il cast della serie tv I Medici (regia di Sergio Mimica-Gezzan)

Scena: una domenica pomeriggio qualsiasi, circa tre settimane fa, passata su Tumblr tra un meme e l’altro. A un tratto, mi compare nei feed questo post, visibilmente scritto in uno stato di incontenibile agitazione: «Italian television just broadcasted two men lying in a bed naked together!!!!!». Stacco. Flashback: l’ultima volta che ho guardato un programma Rai, l’ho fatto insieme a mia madre, che era incollata allo schermo a guardare l’ennesima stagione dell’imperituro Un Medico In Famiglia, la quale serie, pur smontando i parametri della famiglia nucleare tradizionale, (finora) non era mai arrivata a tanto. Cosa mi sono persa?

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#GenderTroubles: Viola di Mare: becoming ‘picciotto’.

Una scena del film "Viola di Mare" di Donatella Maiorca (2009).

Una scena del film Viola di Mare di Donatella Maiorca (2009)

“Mio padre lo voleva maschio, ché una femmina è una vergogna peggio della morte… Mia madre aveva quindici anni, l’ha fatta partorire con un coltello alla gola. Un grido prolungato all’infinito… poi, il silenzio. Sono nata io, sporca e rossa come una cotognata appena fatta. Sono nata io, una femmina. E tu non l’hai ammazzata a mia madre. Rassegnati: sono io. Sono Angela”.

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